Pitchfork

Si alguien que lea esto se considera un serio fanático de la música, en especial del rock y sus vertientes, lo más probable es que conozca la página de crítica de música Pitchfork. Pueden acceder a ella en la siguiente dirección www.pitchfork.com.

Si tú eres una de esas personas, también te habrás dado cuenta que cierta parte de los análisis que hago está influenciada en los trabajos de la gente de Pitchfork Media. Sí, la parte de los puntajes. Ellos usan una quizá incoveniente manera de clasificar los records. Su puntaje va de 0.0 a 10.0, lo que agrega otra rareza, pues habría 101 maneras oficiales de asignar una puntuación. ¿Por qué sé que el 0.0 está incluido? ¡Pues porque hubo un disco que recibió esa humillación! Se trató de Travistan, trabajo del músico estadounidense Travis Morrison. Esto sucedió el terrible día del 28 de septiembre de 2004. Cinco años después, el 28 de septiembre, otorgaré mi primer 0.0. ¡Considerando mi masiva expansión y mi enorme influencia en la mente del público, lograré que ese artista desaparezca de la faz de la Tierra! Nah, mentira, no tengo esa capacidad ni tampoco pienso otorgar un 0.0, pues todo esfuerzo merece una consideración (aunque hay veces que...).

Además de las puntuaciones radicales de 0.0 y 10.0 (10 ha recibido varias veces Radiohead y R.E.M por Murmur y Reckoning versiones Deluxe) en un par de ocasiones he visto que el sarcasmo de los de Pitchfork ha llegado a extremos mayores. En el caso del disco Do You Like Rock Music? de la banda British Sea Power, hubo un puntaje satirico de U.2, pues el record les sonó muy parecido a lo que hace la banda irlandesa. En otra ocasión sucedió algo que probablemente sea lo más parecido a un puntaje negativo: en vez de escribir un review, la página decidió poner un video de un chimpancé orinando, lo cual sólo puede simbolizar que la música era de una calidad lo suficientemente horrible como para ameritar este tipo de broma. No tengo el link a la mano, ni recuerdo el artista o la banda en cuestión, pero si algún día me vuelvo a topar con la cuestión, pondré el enlace en el blog.

Además de robar el sistema de puntuación, pienso que más o menos el formato del review es similar. Con formato no me refiero a contenido, pues bastaría con leer algo de ellos para llegar a la conclusión que son bastante únicos, sino al hecho de colocar la imagen del record al comienzo a la izquierda, y el nombre del grupo o artista a la derecha seguido del título del record. De resto, pienso que hasta allí llegan las similitudes entre Pitchfork y este blog. Hay muchos análisis de ellos con los que no estoy de acuerdo. Generalmente, se trata de discos que han sido catalogados malos por ellos pero yo considero que no lo son (No Line on the Horizon de U2 obteniendo un pésimo 4.2). Lo que sí me agrada de Pitchfork es que hasta los momentos, toda música que han dicho que es buena me ha gustado. ¡Espero que sigan así!

Arctic Monkeys
Who the Fuck Are the Arctic Monkeys?
Año: 2006

Se había planeado que el tercer sencillo del album debut de los Arctic Monkeys sería The View from the Afternoon, pero la banda decidió lanzar un EP liderado por esta canción. El resultado fue Who the Fuck Are the Arctic Monkeys?

La versión de The View From the Afternoon pertenenciente al EP es la misma del LP. No hay mucho que decir, salvo que era una de las canciones más fuertes de Whatever... y dado que permanece intacta, aún sigue siéndolo aquí. Cigarette Smoker Fiona es algo redundante y si hemos escuchado el LP, no le encontraremos nada especial. Despair in the Departure Lounge es algo diferente a lo que estamos acostumbrados a oír de la banda, pero tampoco aporta mucho a la calidad del EP. En cambio, No Buses es una balada un poco mejor hecha y con música agradable. Despair in the Departure Lounge suena algo cruda, como si fuera un demo. No Buses parece haber sido tratada con más tiempo.

La última pista, del mismo título que el EP, fue quizá la canción más relevante del mismo para la banda. Eso no significa que sea necesariamente buena. Es... regular. No la hubiese considerado como single, a diferencia de The View From the Afternoon.

En conclusión, Who the Fuck Are the Arctic Monkeys? no es ninguna joya ni aumenta el caché de Arctic Monkeys en absoluto. De cierta manera, pienso que quizá se les subió el ego a sus cabezas cuando decidieron lanzar un EP en vez de un sencillo. Pudieron haberse esforzado más en este trabajo. Para fortuna de todos, el siguiente LP, Favourite Worst Nightmare confirmó el talento presente en el grupo.

Puntaje: 4.1

Top Tracks:

• The View from the Afternoon
• No Buses
  

Track listing

Música: Arctic Monkeys. Letra: Alex Turner

1. "The View from the Afternoon" – 3:38
2. "Cigarette Smoker Fiona"– 2:56
3. "Despair in the Departure Lounge" – 3:22
4. "No Buses" – 3:17
5. "Who the Fuck Are Arctic Monkeys?" – 5:36

Personal:

• Alex Turner: vocales principales, guitarra principal.
• Jamie Cook: guitarra, vocales secundarias.
• Matt Helders: batería, vocales secundarias.
• Nick O'Malley: bajo, vocales secundarias.

Coldplay
A Rush of Blood to the Head
Año: 2002

Coldplay no logró la inmensa popularidad que hoy porta con su primer LP Parachutes, pero ya para el segundo se habían convertido en un fenómeno internacional que hasta el día de hoy, siete años después, persiste. Afortunadamente, los logros de esta banda inglesa son de cierta manera merecidos, pues A Rush of Blood to the Head es un excelente album.

Politik inicia el record de manera exitosa. Es más "dura" que muchas de las canciones de Parachutes haciendo notar que ha habido una evolución musical. Sin embargo, la primera excelente canción es In my Place. Yo la compararía con Yellow en términos de calidad pero también por la temática, pues entre ambas canciones se puede observar un constrante en las letras. Mientras en Yellow todo era color de rosas, en In my Place encontramos lo que podría suceder post-Yellow: cuando comienzan a aflorar los conflictos entre la pareja. De nuevo, sólo habiendo escuchado dos canciones del album, es obvio que existió un proceso de madurez entre ambos LPs.

God Put a Smile Upon Your Face es un bastante bueno Rock Alternativo. Pero por lo menos suelo no prestarle la atención que quizá podría merecer pues está entre dos grandes canciones. La pista número 4 es la mundialmente conocida The Scientist. A pesar de que la he escuchado quizá infinidad de veces (y no siempre porque la he puesto yo) aún no comprendo muy bien el significado de la letra. Mejor dicho, no comprendo la relación entre la letra y el título de la canción. Pero en fin, me gusta el misterio tanto como me gusta la honestidad en la voz de Chris Martin. No es el mejor de los cantantes, pero escuchas al tipo y sabes que lo que dice es lo que siente, y eso siempre es importante en la relación artista-oyente. Volviendo a The Scientist, la canción es una dulce balada y estoy seguro que a cualquiera puede gustarle al menos un poco.

Es fácil reconocer el riff de piano de Clocks pues la canción, otra de las grandes del disco, se ha oído en casi todas partes. Aunque la música es bastante relajante, el escuchar detenidamente la letra revela una sensación de urgencia y de ansiedad. Esto puede ser la conexión título-letra que es más difícil de hallar en The Scientist.

A partir de la pista 6 hasta la última, es díficil no sentir que al album le faltaba un pequeño impulso más para convertirse en uno de los "clásicos". Todas las seis canciones restantes aportan su granito de arena al ya nacido y creciente sonido Coldplay e impiden que el LP decepcione. Sin embargo, ninguna llega a hacer lo suficiente como para poder competir contra la primera mitad del disco. No llamaré a estas canciones "relleno" pues no lo son en absoluto. Son valiosas pero dificilmente las veremos en una compilación de lo mejor de Coldplay.

A Rush of Blood to the Head es en mi opinión mejor que el siguiente album: X&Y. Todavía no he fijado un criterio con respecto a Viva la Vida or Death and All His Friends. De cualquier manera, este album es uno al que tengo respeto y sé que en sus a veces crípticas letras hay significados ocultos, sean o no inconscientes, lo cual es algo que siempre me atrae. Le recomiendo este album a quien quiere iniciarse en Coldplay.

Puntaje: 8.4

Top Tracks:

• In My Place
• The Scientist
• Clocks

Track listing

Todas las canciones escritas por Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman y Will Champion

1. "Politik" – 5:18
2. "In My Place" – 3:48
3. "God Put a Smile upon Your Face" – 4:57
4. "The Scientist" – 5:09
5. "Clocks" – 5:07
6. "Daylight" – 5:27
7. "Green Eyes" – 3:43
8. "Warning Sign" – 5:31
9. "A Whisper" – 3:58
10. "A Rush of Blood to the Head" – 5:51
11. "Amsterdam" – 5:19

Personal:

• Chris Martin: vocales principales, piano, teclado, guitarra secundaria.
• Jonny Buckland: guitarra principal.
• Guy Berryman: bajo.
• Will Champion: batería, percusión, vocales secundarias.

Wikipedia

Quería decir que, para bien o para mal, mucha de la información que muestro en el blog proviene de Wikipedia. Bastante he leído sobre el que no se debe creer mucho lo que sale en la "Enciclopedia Libre" pero hasta ahora sólo he encontrado unas escasas incongruencias. De todos modos, no saco demasiado de Wikipeda, debido a que hasta los momentos esta es una página de crítica musical y obviamente Wikipedia no va a decirme cómo pienso. Pero sirve para los tracklists y otra información particular de las bandas o records. Así que, por lo menos hasta, digamos, el día en que deje de escribir aquí, seguiré usando Wikipedia como una de mis referencias principales.

Glasvegas
Glasvegas
Año: 2008

Con el sonido de la distorsión y las reverberaciones inicia Flowers & Football Tops, primer track del álbum debut de la banda escocesa Glasvegas, que, además, es una de las bandas nuevas que más me agrada. ¿Por qué? Sólo necesito escuchar esta primera pista para encantarme de la música del grupo. De cierta manera me recuerdan a U2 (curiosamente dentro de unas semanas abrirán por los irlandeses en un concierto). Es la pasión desinhibida, el sonido macro de estadio y la incorporación de algunas letras de cuestiones personales. Flowers & Football Tops trata de un asesinato de un niño. James Allan, el cantante y compositor de la música, escribió la letra al saber del homicidio. Geraldine, otra buena canción del disco, es sobre una mujer que dejó su trabajo para seguir a la banda y aparentemente tuvo un romance con Allan. Luego nos encontramos con un track cuyo título ya expone su contenido intimista: It's my Own Cheating Heart that Makes Me Cry. Habla de la culpa que se puede llegar a sentir al haber sido infiel. El contenido de la letra es más pesado de lo que se pudiera esperar en estos tiempos, lo cual es algo positivo (además hay una referencia a Oasis). Aquí está un tipo que no tiene miedo a expresar esencialmente todo lo que siente a través de su arte. ¡Para eso está la música! Y claro, para divertirse y entretenerse. Afortunadamente, Glasvegas logra ambos cometidos.

Ha llegado el momento de comentar lo que menos me gusta mucho de la banda. Es la voz de James Allan. No estoy diciendo que no sepa cantar ni que ni siquiera no sea bueno. Pues, a pesar de todo, uno siente que canta con el corazón. El problema es el acento. Un acento escocés demasiado evidente y que en algunos momentos puede distraer del núcleo de las canciones, lo cual no es bueno. Algunos podrían decir que la particular voz del cantante es algo único y especial del grupo que contribuye a su identidad. Está bien, la voz no me molesta. Sólo que siento que el disco pudo haber sido un poco mejor con un acento más estándar.

Otra queja, en este caso no mía, es sobre la baterista. Leí las opiniones de unas cuantas personas que decían que su habilidad instrumental era un poco floja y no se encontraba a la altura de sus compañeros. Personalmente, pienso que cumple su cometido a la hora de aportar a la música, y que, en todo caso, cualquier deficiencia que puede tener no es muy notable y debe ser producto de la inexperiencia. ¡Recordemos que las bandas no nacen aprendidas!

De vuelta al disco. Daddy’s Gone es una gran canción sobre lo que se puede asumir es la práctica de un padre de abandonar a su hijo (de nuevo, más letras intimistas). Fue lo primero de la banda que escuché y me enganchó de inmediato. No muchas canciones son capaces de inyectarte las ganas para cantarlas, pero ésta, junto con otras de Glasvegas, tienen esa característica. Hubo un review, no recuerdo cuál exactamente, que afirmaba que las canciones de Glasvegas estaban hechas para entonarlas en estado de ebriedad. Pero esto fue dicho de manera negativa. Yo pienso distinto al analista. No porque las canciones de Glasvegas no provoquen ser cantadas con licor en la sangre, ¡sino porque no considero que eso sea negativo! En esos momentos de ebriedad surgen los más profundos instintos, y si mi instinto es cantar Daddy’s Gone hasta que me sangre la garganta, entonces realmente Glasvegas ha hecho un excelente trabajo. Por otro lado, difícilmente cantaría Stabbed borracho. Stabbed emplea la Moonlight Sonata de Beethoven como fondo mientras James Allan recita una serie de advertencias: “You don’t want to stab me”. Curiosa es la inclusión de Beethoven, sin embargo, eso demuestra que tienen buen gusto.

Como último comentario sobre el disco, es notorio que de las 10 pistas, sólo 2 sean relativamente lentas (Stabbed y el cierre Ice Cream Van). Estas dos canciones me parecen las menos efectivas del álbum. Quizá sea por la euforia que uno va acumulando al escuchar el resto y luego llegan estas y te deprimen un poco. Quizá sea porque Glasvegas funciona mejor con el sonido de estadio. Sea como sea, el grupo escocés dejó una buena impresión en la crítica, aunque quizá cierta polarización. Mi polo está con Glasvegas. ¡Que este grupo prospere y nos siga trayendo más y mejores LPs!

Puntaje: 8.7

Top Tracks:

• Flowers & Football Tops
• Geraldine
• Daddy's Gone
• We Walk

Todas las canciones escritas por James Allan. Flowers & Football Tops contiene fragmentos de "You Are My Sunshine" por Mitchell/Davis. Stabbed usa la música de Moonlight Sonata de Ludwig Van Beethoven

TRACK LISTING

1. "Flowers & Football Tops" – 6:57
2. "Geraldine" – 3:45
3. "It's My Own Cheating Heart That Makes Me Cry" – 4:25
4. "Lonesome Swan" – 2:43
5. "Go Square Go" – 3:27
6. "Polmont on My Mind" – 3:52
7. "Daddy's Gone" – 4:24
8. "Stabbed" – 2:22
9. "S.A.D. Light" – 4:01
10. "Ice Cream Van" – 5:56

Personal:

• James Allan – vocales principales, guitarra.
• Rab Allan – vocales secundarias, guitarra.
• Paul Donoghue – bajo.
• Caroline McKay – batería.

R.E.M

Murmur

Año: 1983

Radio Free Europe, el primer sencillo de la banda americana R.E.M. es también la primera canción del primer LP del cuarteto. No obstante, la canción que fue el primer single en 1981 fue trabajada para incluirse en Murmur. No he oído la versión original, lo cual sería interesante, pero en cuanto a la del album, sólo puedo decir que es una gran canción, define lo que es R.E.M. más que cualquier otra pieza del grupo, y es una de las pioneras del género de rock alternativo.

Afortunadamente para nuestros oídos y para la (luego) próspera carrera de los muchachos de Georgia, el resto de Murmur es fascinante. Así como en Chronic Town y el resto de su carrera, R.E.M se deshace de todos los estereotipos del rock americano para concentrarse en su propio y original estilo, caracterizado por la ausencia de sintetizadores tan populares en los ochenta, solos de guitarra y letras directas. Sí, aún Stipe canta en un lenguaje encriptado. Pero me agrada. Muchos grupos estadounidenses de estos años se dedicaban a hacer más de lo mismo. R.E.M era diferente.

El segundo sencillo, Talk About the Passion es una canción agradable, pero yo hubiese alguna otra canción. Hay unas cuantas bastante mejores: Pilgrimage, Laughing, Catapult, Shaking Through y pare de contar. Todas estas canciones tienen una cierta cualidad. Suenan familiares. No porque sean copia de algo sino porque parecieran haber estado en nuestra cabeza antes de haberlas oído por primera vez. Y además, hay una calidez innegable, un sentido de pertenencia que es muy difícil de lograr para un artista. Por ejemplo, al escuchar el coro de Perfect Circle uno halla una cierta ternura que no parece haber sido adrede, sino espontánea.

Otro punto que quisiera mencionar es la facilidad melódica del grupo. Tienen definitivamente buen oído. En las canciones reside un sonido acogedor y pacífico que lamentablemente fue perdiéndose poco a poco a medida que transcurrió el tiempo (con esto no quiero decir que R.E.M. sea peor o mejor en la actualidad). Incluso me atrevería a decir que hay un cierto jovial e infantil

tratamiento de algunas canciones. Esto se nota bastante en las letras, por ejemplo en Catapult, una buena canción que de ninguna manera es arruinada por su extraña letra. R.E.M. se salva de su propia inmadurez porque no se están tomando en serio. Al mismo tiempo, es irónico el darse cuenta de que realmente parece que saben lo que están haciendo. Es como The Beatles en sus comienzos. No se tomaban en serio ellos mismos, no parecían muy maduros, pero indudablemente, en el fondo de todo, sabían lo que estaban haciendo.

La única canción que diría que no me transmite mucho es la pista número 9, llamada... eh... 9-9. Esta canción forma parte de lo que defino como relleno. Pero antes y después de la misma todo es valioso. La pista siguiente, Shaking Through, incluye un epílogo al final, como un mini-jamming. No sé porqué, pero era una práctica más o menos común en algunos tracks de R.E.M. y podía ocurrir también al comienzo, como en (Don't Go Back to) Rockville del LP sucesor de Murmur, Reckoning.

Otra curiosidad son los sonidos huecos de We Walk. No parecen tener ninguna intención pero ahí están. Digamos que no sólo las letras y la voz de Stipe son cripticas, sino también parte de la música. Música que, con mucho agradecimiento, fue uno de los pilares del género alternativo. Murmur fue el primero de unos cinco años productivos de R.E.M. Al final de esos 5 años ya se habían convertido en una de las bandas de rock más importantes del planeta. Posteriormente analizaremos los LPs que terminaron de establecer a la banda como una de las grandes.

Puntaje: 8.8

Top Tracks:

• Radio Free Europe
  
• Pilgrimage
• Laughing
• We Walk

Todas las canciones escritas por Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills, y Michael Stipe, excepto las que se especifiquen

TRACK LISTING

1. "Radio Free Europe" – 4:06
2. "Pilgrimage" – 4:30
3. "Laughing" – 3:57
4. "Talk About the Passion" – 3:23
5. "Moral Kiosk" – 3:31
6. "Perfect Circle" – 3:29
7. "Catapult" – 3:55
8. "Sitting Still" – 3:17
9. "9–9" – 3:03
10. "Shaking Through" – 4:30
11. "We Walk" – 3:02
12. "West of the Fields" (Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe, Neil Bogan) – 3:17

Personal:

• Bill Berry - batería, bajo, piano, percusión, vocales secundarias
• Peter Buck - guitarra, bajo, batería, piano, vocales secundarias
• Mike Mills - bajo
  
• Michael Stipe - vocales principales

Break

La universidad me ha estado matando estas últimas semanas. De hecho si miramos con detenimiento las revisiones de discos por mes, podremos observar un "ligero" descenso en cuanto a las mismas. Esto sucede porque el mes en que inicié el blog me encontraba en pseudo-vacaciones.

Una vez que termine con este trimestre (o el trimestre termine conmigo lo cual también es probable) espero (no prometo porque cualquier cosa puede suceder) analizar albumes con bastante frecuencia.

Boston
Boston
Año: 1976

Es una lástima que Boston desparaciera rápidamente de la escena musical. No estoy seguro de cuáles fueron las causas de ello, de su improductividad. Pero digo que fue una lástima pues su primer disco, del mismo nombre de la banda, es un gran album.

Creo que casi todos nosotros alguna vez en su vida habrá escuchado More Than a Feeling, fácilmente una de las canciones más reconocibles e importantes del rock. Sólo con esta canción, uno desearía que el grupo hubiese profilerado más. More Than a Feeling es rock del bueno, inspira, produce euforia y anima. Nunca desfallece y hasta el mismo final se mantiene en buen pie.

Peace of Mind es otra excelente canción. Extrañamente, es sobre el consumismo y cómo la banda lo rechaza (quizá no rechazaron tanto los millones de disco que vendieron, pero es bueno creer que al menos no parecían ser motivados por el dinero). Básicamente lo que dicen es que lo importante es la paz interna y no tanto lo materialista. Bien.

La siguiente pista es una grata sorpresa. Consiste de dos tracks juntos. El primero de ellos, Foreplay podría considerarse como rock progresivo. De nuevo, esta banda no parece ser como el resto de las bandas americanas de la decada (por ejemplo, Van Halen). Luego de los dos minutos y tantos de la introducción, caemos en Long Time, una canción bastante decente con un buen solo de guitarra pero hasta ahora la pieza más genérica del disco.

En Rock and Roll Band, el compositor y lider de la banda Tom Scholtz habla de las experiencias del joven grupo. Aunque la letra posee algo de ego, no creo que no sea humilde de cierta manera. Smokin' es buen rock'n roll, y posee un bridge algo peculiar. Hasta los momentos no he mencionado el uso del órgano por parte de Scholtz. En esta canción en particular, el instrumento es un añadido bastante agradable.

Hitch a Ride usa la guitarra acústica pero el sabor se encuentra en el solo de guitarra eléctrica del final, que rivaliza al solo de More Than a Feeling. Something About You es de las mejores canciones del album, y, como sugiere el título, se trata de una chica, pero la letra no es nunca cursi y la música nunca decepciona. El album culmina con otra canción de amor, Let Me Take You Home Tonight.

Para una década en la que las bandas americanas de decantaban por el puro espectáculo y dejaban a un lado las melodías, Boston mostró ser diferente y eso les ganó unos cuántos fanáticos. Definitivamente, es un album que cualquiera puede escuchar y al menos una canción debiera gustarle. Aún hoy en día en la radio ponen algunos tracks del LP. Esa es la cuestión... yo estoy del lado de quienes piensan que lo que más se escucha en la radio es música altamente comercial, llamémosle música rápida. Sin embargo, Boston no sólo logró que sus canciones fueran tan populares como para que satisfacieran gustos distintos, sino que estas canciones fueron genuinamente buenas.

Puntaje: 8.6

Top Tracks:

• More Than a Feeling
  
• Peace of Mind
  
• Something About You
  

Track Listing

Todas la canciones escritas y compuestas por Tom Scholz

1. "More Than a Feeling" – 4:45
2. "Peace of Mind" – 5:02
3. "Foreplay/Long Time" – 7:47
4. "Rock and Roll Band" – 3:00
5. "Smokin'" – 4:20
6. "Hitch a Ride" – 4:13
7. "Something About You" – 3:48
8. "Let Me Take You Home Tonight" – 4:43

Personal:

• Brad Delp: vocales principales; guitarra en "Let Me Take You Home Tonight"
• Tom Scholz: guitarra eléctrica, guitarra acústica, clavinet, órgano, bajo
• Sib Hashian: batería
  
• Jim Masdea: batería en "Rock N Roll Band"
• Barry Goudreau: guitarra eléctrica en "Foreplay/Long Time" y "Let Me Take You Home Tonight"
• Fran Sheehan: bajo en "Foreplay" y "Let Me Take You Home Tonight"

U2
October
Año: 1981

De todos los albumes de estudio de la banda irlandesa U2, considero este el peor. Y sé que no soy el único. El problema con October es que es... prescindible. Incluso para un fan del grupo, es difícil hace un top10, o top20 de canciones de U2 e incluir una de October.

En fin, el record comienza con el pie derecho. Gloria es bastante decente. Debería decir en este momento que este es el disco más religioso de U2. No es de extrañar que con semejante título, Gloria no sea de ese tipo de canciones. Generalmente, en mi opinión, la música cristiana no es realmente buena, aunque canciones como esta demuestran que sea cual sea la temática, se puede hacer buena música.

I Fall Down tampoco está nada mal. The Edge toca el piano en esta y en otras piezas del disco, lo cual es bienvenido (aunque definitivamente su fuerte es la guitarra). I Threw a Brick Through a Window, la canción más larga, tiene una interesante batería, aunque no pasa de ahí. Rejoice es más parecida a las canciones de Boy pero es un poco floja salvo al final, el cual más o menos la redime.

La próxima canción, Fire, fue el primer sencillo del album (el segundo fue, entendiblemente, Gloria). De todos los primeros sencillos de la banda, este me ha parecido el peor. No creo que la canción tenga nada especial. El problema no es realmente que no sea comercial (que quizá es lo que más debería ser un primer single), es que no me parece una buena canción. Es invisible. Me refiero a que, y esto va para gran parte del album, Fire puede pasar fácilmente desapercibida.

Afortunadamente, Tomorrow empieza a sonar, y es una de las mejores canciones del LP. Y en sus primeros tres minutos, no es rápida, no es el U2 de Boy, ni el U2 que ya conocemos, pero tiene un aire espiritual, una atmósfera intrigante y una letra bien hecha, y logra fácilmente su objetivo. Comprendo que U2 quiso hacer un disco religioso, pero hubiese deseado que las canciones fueran más como Tomorrow. De esa manera, el album hubiese sido bastante bueno.

Ahora tenemos a October, la canción. Consiste en un piano y un bajo y fuera instrumental si Bono no dijera unas pocas palabras. Es... normal. No añade ni quita nada al album. Al grupo parece gustarle pues la incluyeron en su compilación de lo mejor de los 80. Creo que es fresca porque es diferente, pero eso no implica que sea realmente buena como para estar en una compilación que fácilmente podría prescindir de ella.

With a Shout (Jerusalem) es otra canción que no contribuye a nada. Es relleno. Mal relleno. Sí, no me gusta. En cambio, Stranger in a Stranger Land, la cual, no sé si estoy equivocado o no, me parece algo subvalorada. Es una canción y una letra bastante decente. Pero tampoco es nada del otro mundo ni es mejor que, digamos, Gloria.

Scarlet es una tranquila pieza que de nuevo casi es un instrumental. Bono canta "Rejoice" en unas cuantas oportunidades. Hace años, cuando no estaba muy familiarizado con el album, solía confundir esta canción con, obviamente, Rejoice. Is that All? es el final del disco. A diferencia de una buena parte de los fanáticos de U2, no considero a esta canción como la peor del grupo. Creo que de hecho hay peores en el mismo album. Quizá la letra es algo tonta: "Singing this song makes me angry. I'm not angry with you", pero la música no es tan mala.

Con el segundo disco, pienso que U2 debió haberse esmerado más. Aunque si estamos al tanto de algo de la historia del grupo, sólo ha existido un LP que ha sido lanzado al mercado antes de que pasase un año después de haber sacado el LP anterior, y ese album es Observando cuánto tarda la banda en sacar un disco de estudio nuevo, me parece que realmente necesitan tomarse su tiempo (su largo tiempo) para realizar un trabajo al menos bueno. Que October sea para mí el peor del grupo, no significa que lo sea. Se que hay unos cuantos fans que le agrada el record y a mí me gustan unas cuantas canciones del mismo. Si Boy no aplastara a October tan fácilmente, no hablaría mucho del segundo disco, pero sabiendo que un año atrás U2 había producido un buen LP, la verdad es que October deja mucho que desear.

Puntaje: 5.8

Top Tracks:

• Gloria
• I Fall Down
  
• Tomorrow
• Stranger in a Strange Land

Track Listing

Todas las canciones escritas por U2, con letras de Bono.

1. "Gloria" – 4:14
2. "I Fall Down" – 3:39
3. "I Threw a Brick Through a Window" – 4:54
4. "Rejoice" – 3:37
5. "Fire" – 3:51
6. "Tomorrow" – 4:39
7. "October" – 2:21
8. "With a Shout" – 4:02
9. "Stranger in a Strange Land" – 3:56
10. "Scarlet"– 2:53
11. "Is That All?" – 2:59

Personal:

• Bono: vocales principales
• The Edge: guitarra, piano, vocales secundarias
• Adam Clayton: bajo
• Larry Mullen Jr.: batería

Radiohead
Pablo Honey
Año: 1993

Radiohead es otro de mis grupos preferidos. No solamente han demostrado una impresionante habilidad para destacarse en el rock inglés directo (straightforward) sino que lograron desligarse de sus primeros años produciendo unos albumes sumamente innovadores y experimentales.

¿El debut de Radiohead está a la par de sus discos posteriores? Gran parte de la crítica y de sus fanáticos parecen no creerlo. Pero, quizá a diferencia de un grupo considerable de gente, pienso que Pablo Honey es definitivamente un buen record. Es mucho mejor de lo que muchos piensan. A lo mejor pueda ser calificado de ignorante después de decir esto, pero el segundo LP, The Bends, grandioso como es, es Pablo Honey madurado y en esteroides.

Ninguna canción de este album es mala. Claro, hay una que destaca en particular: Creep. Esta canción, quiera o no el grupo ahora, definió lo que es Radiohead. Es deprimente, llena de ansiedad, desolación y baja autoestima (perfecta para la era Nirvana). Ah, y por supuesto, es bastante buena. Los dio una importante fama que los empujó hacia una mejor carrera. Entiendo el porqué de su aparente desprecio por Creep, pues, después de todo, si haces un concierto y la gente sólo va para oír esa única canción y se marcha, yo también estaría algo resentido con parte de la consecuencia de haber tenido una canción que para el público era la única que importaba. La verdad es que no es la única canción que importa del disco, y una mejor verdad es que Radiohead supo cómo evolucionar y mantener su público sin tener que recurrir a miles de Creeps en sus subsiguientes lanzamientos. Y por esto, amigos míos, debemos estar agradecidos.

En How do You? la música comienza a ser un poco más movida. El sonido Radiohead de estos años era bastante Britpop (género que me encanta) y esta es alguna de las canciones que lo demuestra. Stop Whispering, en mi opinión (y pudiera estar gravemente equivocado), es influenciada en cierta parte por U2. Al menos yo lo siento así, y de nuevo, me encanta U2 y por ende esta canción. Es stadium-rock y la manera en como se va acrecentando hacia el final me parece magnífico. Magnífico como la imponente vocalización de Thom Yorke quien deja de murmurar para lanzar unos buenos gritos al final.

Otra excelente canción es Thinking About You cuya guitarra acústica e intimista letra me han conmovido en unas cuantas ocasión. Todas las bandas que puedo considerar como mis favoritas lo son porque de alguna manera han conectado conmigo emocionalmente. Si no existiese otro disco de Radiohead, con esta pieza hubiese bastado para concretar esa conexión. Es una dulce canción y se la recomiendo a cualquiera que se sienta algo triste.

Luego de una pequeño retorno a la tierra de la soledad, volvemos con algo más de Britpop. Anyone Can Play Guitar fue uno de los sencillos del album y es como el equivalente de Rock 'N Roll Star de Oasis, no musicalmente, sino que en la letra tenemos el deseo de llegar a pertenecer en una banda de rock, esta vez al estilo Radiohead.

Quería comentar algo que me sucede con muy pocas canciones y grupos. Se trata de un sentimiento de nostalgia. Es irónico, pues nací hace veinte años de esos sólo llevo unos pocos escuchando a este tipo de música, o, para ser sincero, cualquier tipo de música. Por ende, no debería sentirme nostálgico cuando escucho algo como Vegetable, pues la primera vez que oí esta canción fue hace como 3 años y realmente no marcó nada en mi vida. Pero extrañamente, esa es la magia de la música. Si es increíblemente buena, te transporta hacia lugares infinitamente mejores y hacia tiempos añorables. No digo que Vegetable sea una obra maestra, pero al igual que muchas otras canciones que andan por ahí, es una pequeña joya que tiene un valor importante para cierta personas, y, de nuevo, conecta con las mismas.

El resto del disco, incluyendo las dos pistas que no comenté en los párrafos anteriores, son bastante buenas también. Admito que simplemente soy fanático de este tipo de música y puedo comprender que haya quienes no lo sean. Hay veces que hubiese querido de cierta manera que Radiohead no cambiara tanto y que se hubiera mantenido produciendo canciones como estas. Pero comprendo que si estos 5 excelentes músicos no hubieran virado la dirección del barco, probablemente no habría Radiohead ahora, no porque el grupo hubiese terminado, sino porque un Radiohead sin un OK Computer y un Kid A no es necesariamente sería Radiohead. De cualquier manera, esos deseos míos generalmente son derrotados cuando me percato de la asombrosa contribución a la música que ha dado el grupo. Así que, por ahora y para siempre, espero que Radiohead siga haciendo lo que consideres es mejor para su banda.

Puntaje: 8.7

Top Tracks:

• Creep
• Stop Whispering
• Thinking About You
• Anyone Can Play Guitar
• Vegetable
  

Track Listing

Todas las canciones escritas por Radiohead

1. "You" – 3:29
2. "Creep" – 3:56
3. "How Do You?" – 2:12
4. "Stop Whispering" – 5:26
5. "Thinking About You" – 2:41
6. "Anyone Can Play Guitar" – 3:38
7. "Ripcord" – 3:10
8. "Vegetable" – 3:13
9. "Prove Yourself" – 2:25
10. "I Can't" – 4:13
11. "Lurgee" – 3:08
12. "Blow Out" – 4:40

Personal:

• Thom Yorke – Vocales principales, guitarra
• Jonny Greenwood – Guitarra Principal, piano, órgano
• Ed O'Brien – Guitarra, vocales secundarias bajo
  
• Colin Greenwood – Bajo
• Phil Selway – Batería

Arctic Monkeys
Whatever People Say I Am, That's What I'm Not
Año: 2006

Algo de background. Los Arctic Monkeys han sido una de las bandas que se logró beneficiar del Internet para salir a la luz pública. Considero a esta banda como la versión más moderna de The Strokes. De cierta manera, me suena que una de sus influencias fue el grupo dicho anteriormente. Lo cierto es que Arctic Monkeys ha producido hasta ahora 2 LPs bastante notables y aquí estoy para opinar sobre el primero de ellos.

Nos vamos a dar cuenta desde un comienzo que la banda tiene preferencia por pistas cortas y rápidas. El sencillo más popular del disco fue I Bet You Look Good on the Dancefloor, una movida canción con una extraña y jocosa referencia a la novela 1984 de George Orwell.

En mi opinión, el LP muestra que la banda tiene suficiente potencial como para convertirse en algo enorme. Hay algo en su estilo que recuerda la energía que solía tener Oasis así como las ganas de estar entre los mejores. El problema con este album es muy simple: no es muy original. Reconozco que eso es mucho pedir para el debut de unos muchachos de 20 años, pero sigue siendo una realidad con el album la falta de innovación.

Hablando específicamente de las canciones, todas tienen su encanto, y a diferencia de algunos LPs que uno tiene que oír, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not no llega a aburrir. Esto puede que sea más por la corta duración del mismo que por la variedad de las pistas, las cuales en un punto son algo difíciles de distinguir entre sí. Un punto positivo es la letra de las canciones. El encargado de ellas, Alex Turner (quien es el vocalista principal también), no escribió nada complejo o profundo, más que todo se dedicó a narrar ciertas (no muy significantes) experiencias de su vida, pero pareceriera que las letras le salen con naturalidad y facilidad.

Generalemente solemos escuchar albumes en los que las mejores canciones están al comienzo y de ahí hasta el final el record se cae en picada. Este album posee otra estructura: son las piezas del medio del LP las menos resaltantes. A partir de Mardy Bum (una de las canciones más lentas del disco), el album recobra la fuerza del inicio. Llegados a este punto del viaje, se debe comentar que el grupo tiene un buen baterista. Es una batería con potencia, que se hace escuchar y que guía la canción, pienso, más que los también notorios riffs de guitarra.

A Certain Romance es la última canción. A pesar de que I Bet You Look Good on the Dancefloor fuera la insigina del grupo, considero que A Certain Romance es la mejor del disco, y la que más augura tiempos excelentes para Arctic Monkeys. La canción empieza como cualquier otra del disco, con el riff de guitarra y la batería anunciando el core de la canción que una vez comenzando sorpredende, pues la guitarra se relaja y el bajo también. La pieza prosigue de esta manera hasta los últimos dos minutos, en donde se va agrandando y agrandando hasta estallar en un magnífico jam.

Sólo algo podía quitar la duda de si los Arctic Monkeys merecerían la pena: su segundo disco. Opinaré sobre ese segundo LP en algún momento de mi vida, quizá antes evaluando el EP Who the Fuck are the Arctic Monkeys? lanzado unos pocos meses después del LP debut.

Puntaje: 7.5

Top Tracks:

• I Bet You Look Good on the Dancefloor
• When the Sun Goes Down
• From the Ritz to the Rubble
• A Certain Romance
• The View from the Afternoon

Track listing

Música: Arctic Monkeys. Letra: Alex Turner, excepto donde se indique lo contrario

1. "The View from the Afternoon" – 3:38
2. "I Bet You Look Good on the Dancefloor" – 2:53
3. "Fake Tales of San Francisco" – 2:57
4. "Dancing Shoes" – 2:21
5. "You Probably Couldn't See for the Lights But You Were Staring Straight at Me" – 2:10
6. "Still Take You Home" (Alex Turner/Jamie Cook) – 2:53
7. "Riot Van" – 2:14
8. "Red Light Indicates Doors Are Secured" – 2:23
9. "Mardy Bum" – 2:55
10. "Perhaps Vampires Is a Bit Strong But..." – 4:28
11. "When the Sun Goes Down" – 3:20
12. "From the Ritz to the Rubble" – 3:13
13. "A Certain Romance" – 5:31

Personal:

• Alex Turner: vocales principales, guitarra principal
• Jamie Cook: guitarra, vocales secundarias
• Matt Helders: batería, vocales secundarias
• Nick O'Malley: bajo, vocales secundarias

The Beatles
With the Beatles
Año: 1963

Unos pocos meses transcurrieron luego del lanzamiento de Please Please Me para que los Beatles retornaran a Abbey Road a grabar su próximo LP, el cual fue lanzado a finales de 1963. With the Beatles representa la lógica continuación del éxitoso predecesor album, en el sentido que no se toman riesgos, aún gran parte de las canciones son covers y la música mantiene el estilo previo.

It Won't Be Long es una buena canción titular, digamos que quizá es el She Loves You de este record (unos cuantos "Yeah Yeah" incluidos) y aunque quizá no alcanzó la misma popularidad, la calidad es prácticamente la misma. All I've Got to Do y All My Loving son otras dos piezas Lennon/McCartney de igual calibre.

Nos encontramos con la que sería la primera contribución oficial de George Harrison como compositor en cualquier lanzamiento de los Beatles. Don't Bother Me es muy parecida al resto de las canciones Lennon/McCartney de esos primeros años, quizá exhibiendo el hecho de que Harrison no estaba realmente al nivel de ellos dos y que por eso la mayoría de las canciones provenían de sus compañeros, pero lo cierto es que no estaba tan lejos a nivel composicional.

Los próximos cuatro tracks son covers salvo el primero. Mi favorito del grupo es Till There Was You porque es notablemente diferente al resto de las canciones (de estos primeros albumes), que en su mayoría estaban orientadas al rock and roll y pop, y ésta es más una especie de balada. No obstante, Little Child es agradable y Please Mister Postman encantadora con un gran trabajo del coro y de Lennon como vocalista, y Roll Over Beethoven es un digno cover de la excelente canción de Chuck Berry.

Desde la pista 9 hasta el final, encontramos una mezcla de canciones originales con covers y, por supuesto, la mandatoria vocalización de Ringo en una de ellas. Nada que resalte en estas 6 canciones, salvo el hecho de que ninguna es decepcionante. La cuestión con este album, y con el siguiente, es que comparados con Please Please Me pierden, no porque sean peores, sino porque no son mejores. Si alguien ha logrado entenderme, excelente, si no, me explicaré mejor. Me refiero al hecho de que el primer LP tenía unas cuantas canciones excelentes e insignia del grupo, mientras que With the Beatles no posee pistas que eleven el album a un estatus de clásico.

En conclusión, este segundo trabajo de los Beatles es bastante bueno, lo suficiente como para casi igualar al primero, pero aún le faltaría unos cuantos meses a los chicos de Liverpool para repotenciarse y aplastar a toda la competencia.

Puntaje: 8.5

Top Tracks:

• It Won't Be Long
• Till There Was You
• Please Mister Postman
• Roll Over Beethoven
• You Really Got a Hold on Me
  

Track listing

Todas las canciones fueron escritas por John Lennon y Paul McCartney, salvo donde se indique lo contrario

1. "It Won't Be Long"
2. "All I've Got to Do"
3. "All My Loving"
4. "Don't Bother Me" (George Harrison)
5. "Little Child"
6. "Till There Was You" (Meredith Willson)
7. "Please Mr. Postman" (Georgia Dobbins, William Garrett, Freddie Gorman, Brian Holland, Robert Bateman)
8. "Roll Over Beethoven" (Chuck Berry)
9. "Hold Me Tight"
10. "You Really Got a Hold on Me" (Smokey Robinson)
11. "I Wanna Be Your Man"
12. "Devil in Her Heart" (Richard P. Drapkin)
13. "Not a Second Time"
14. "Money" (Janie Bradford, Berry Gordy)

Personal:

• John Lennon: vocales principales, secundarias y de armonía; guitarra rítimica, guitarra acústica, armónica, órgano, pandereta
• Paul McCartney: vocales principales, secundarias y de armonía; bajo; piano; claves
• George Harrison: vocales principales, secundarias y de armonía; guitarra principal, guitarra acústica, piano
• Ringo Starr: batería, pandereta, maracas; vocales principales

con:

• George Martin: arreglos adicionales, piano

Coldplay
Parachutes
Año: 2000

Hace casi 10 años, la banda que quizá sea la más popular de la actualidad, Coldplay, sacó al mercado su primer LP: Parachutes. Este album vendió millones de unidades en el mundo entero y colocó a la banda en el centro de atención. Al escuchar Parachutes uno puede notar fácilmente las influencias: Radiohead, Travis, U2, entre otros. Los de Coldplay, afortunadamente, supieron elegir sus ejemplos a seguir y tomar una manera de emularlos que fuera apetecible para el público

Don't Panic, la primera pista, es una breve introducción al resto del disco. Shiver es el primer plato fuerte. También fue el primer sencillo, y realmente funcionó con ese cargo. Luego, Spies, canción que provocó que China vetara el album completo, quién sabe exactamente por qué, ya que la letra no es realmente explícita y Sparks son canciones un poco más trankilas que el segundo track, el cual para empezar tampoco era muy eufórico. Aquí podemos etiquetar a Coldplay como un grupo que, y ha sido demostrado también en los próximos albumes, tiene su propio estilo y produce una música para relajarse y con melodías bien definidas. El problema que esto conlleva es que Coldplay puede llegar a aburrir con cierta facilidad si las canciones no presentan algún tipo de novedad o innovación. Y eso pasa con ciertas pistas de este LP. Pero entonces llega una canción extraordianaria como Yellow y vuelves a interesarte en lo que estás oyendo. Este single catapultó a Coldplay a la fama. Cada grupo que ha tenido al menos éxito moderado, probablemente ha producido una canción que haya sido el empuje, el espaldarazo necesario para seducir al público. Esta canción es soñadora y hermosa, y merece al menos ser escuchada una vez en la vida.

Después de la mejor canción de Parachutes, nos topamos con Trouble, otra canción relajante. La pista siguiente, la cual se llama como el album, es un minitrack de menos de un minuto sin mucha importancia, al igual que High Speed, pista de relleno. A estas alturas del album, uno empieza a indagar si se repetirán canciones como Shiver y Yellow. La respuesta es negativa, aunque We Never Change y Everything's Not Lost (que contiene un bonus track no muy interesante) son dos canciones agradables, especialmente la última. El problema es que no ayudan a apreciar mejor el disco ni incrementan el valor del mismo.

Estos pequeños problemas de canciones irrelevantes y algo somníferas fueron relativamente arreglados a tiempo para el siguiente album de Coldplay. Parachutes se siente más como un EP largo que como otra cosa. No es un mal album, y al menos poseyó dos canciones que auguraron el hecho que ya todos conocemos de que era una banda que podía con un poco de esfuerzo mejorar y llegar bastante lejos.

Top Tracks:

• Shiver
• Yellow

Puntaje: 6.2

Track listing

Todas las canciones escritas por Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman y Will Champion

1. "Don't Panic" – 2:17
2. "Shiver" – 4:59
3. "Spies" – 5:18
4. "Sparks" – 3:47
5. "Yellow" – 4:29
6. "Trouble" – 4:30
7. "Parachutes" – 0:46
8. "High Speed" – 4:14
9. "We Never Change" – 4:09
10. "Everything's Not Lost" – 7:15
    • "Life Is for Living" – 1:36 (canción bonus que empieza en 5:39)

Personal:

• Chris Martin: vocales principales, piano, guitarra secundaria
• Jonny Buckland: guitarra principal
• Guy Berryman: bajo
• Will Champion: batería, vocales secundarias
  

Queen
Queen
Año: 1973

Queen es una banda sumamente popular. Hoy en día, dos restantes miembros de la misma, Brian May y Roger Taylor, conjuntamente con el cantante Paul Rodgers sacaron hace poco un disco, Cosmos Rocks, bajo el nombre de Queen + Paul Rodgers, incluso cuando el personaje más popular de Queen, Freddie Mercury, murió hace 18 años y el bajista John Deacon ha decidido retirarse. Esto nos dice que a pesar de todo, Queen tiene cierta vigencia en estos tiempos modernos (vigencia porque escuchamos sus canciones viejas, no lo que están haciendo ahora los que quedan del grupo).

Queen, el disco y la banda, comienzan con el pie derecho con Keep Yourself Alive y Doing All Right. Lo más notorio de este primer encuentro con la banda, es la voz de Mercury, quien, en mi opinión, es uno de los mejores cantantes de rock de la historia. En la segunda pista, también podemos apreciar que Brian May tiene cierto talento en la guitarra, el cual, afortunadamente, sería desarrollado hasta la excelencia unos años más tarde.

Mientras los dos primeros tracks (escritos por May) son personales, el tercero, Great King Rat, es algo extraño. Habla de la Biblia, del Señor, de pecadores, entre otros. No entiendo exactamente cuál fue la intención del liricista, Mercury, pero me parece que es una crítica hacia la religión. La canción no es mala, de hecho, es la primera que experimenta con solos de guitarra regados aquí y allá, un solo de batería, y duración (casi seis minutos).

My Fairy King, también escrita por Mercury, trata sobre un mundo inventado por el cantante, que fue llamado Rhye. Es curioso escuchar con cuidado estos comienzos de Queen, pues nadie hubiera sabido 10 años después, que empezaron tocando canciones sobre cuentos de hadas y fantasía. Aparte de esta extravagancia, la canción no llama mucho la atención.

La canción más larga del record, Liar, es épica, o trata de serlo. El perfomance y la química de la banda hacen resaltar a esta canción, la última de Mercury, por el momento. De vuelta con May, nos topamos con The Night Comes Down, una canción no muy interesante y de relleno. Modern Times Rock 'N Roll, la primera contribución de Taylor (en donde también canta) le da un poco más de ritmo y movimiento al album pero es sólo una canción regular de rock and roll.

Conluimos el disco con tres últimas canciones: Son and Daughter me parece otra canción genérica y de relleno, Jesus es, bueno, sobre Jesús (es algo contradictorio que esta canción parezca pro-religión, cuando Great King Rat hace unos minutos nos decía que desconfiáramos en la Biblia) y no es tan mala, y Seven Seas of Rhye... es la pieza inconclusa de Mercury que, en el minuto que pudimos escuchar de ella, se vio un poco interesante.

Creo que el LP no es malo, pero es algo mediocre (cuando digo mediocre, me refiero a que es regular). La primera parte del disco es bastante interesante, pero la segunda decae notablemente y eso sucede cuando una banda como Queen está en "autopiloto". De todas maneras, Queen habría de mejorar sustancialmente en los años porvenir.

Top Tracks:

• Keep Yourself Alive
• Doing All Right
• Liar
  

Puntaje: 6.0

Track listing

1. "Keep Yourself Alive" (Brian May) – 3:48
2. "Doing All Right" (Brian May/Tim Staffell) – 4:09
3. "Great King Rat" (Freddie Mercury) – 5:41
4. "My Fairy King" (Freddie Mercury) – 4:08
5. "Liar" (Freddie Mercury) – 6:26
6. "The Night Comes Down" (Brian May) – 4:23
7. "Modern Times Rock 'n' Roll" (Roger Taylor) – 1:48
8. "Son and Daughter" (Brian May) – 3:21
9. "Jesus" (Freddie Mercury) – 3:44
10. "Seven Seas of Rhye..." (Freddie Mercury) – 1:15

Personal:

• Freddie Mercury - vocales principales y secundarias, piano
• Brian May - guitarra, vocales secundarias, piano en Doing All Right
• John Deacon - bajo
• Roger Taylor - batería, vocales secundarias, vocales primeras en Modern Times Rock 'N' Roll, percusión

Oasis
Definitely Maybe
Año: 1994

Oasis siempre ha sido, aunque ya no tanto, una banda controversial, en donde hasta los propios líderes de la misma, los hermanos Gallagher, han usado violencia física para "resolver" sus diferencias. No cabe duda que los Gallagher tienen tantos críticos como fanáticos. No es fácil para algunos que te caigan bien cuando una vez Noel dijo que deseaba que los tipos de Blur agarran SIDA y se murieran, o cuando Liam comentó que jugaría golf con la cabeza de George Harrison sólo porque éste le restó importancia a Oasis como una banda inglesa prominente.

En fin, con los años se han venido calmando, quizá porque ya no son tan buenos como solían ser y es un poco difícil dártelas de guapetón cuando no estás en la cima. Lo que es totalmente seguro es que Oasis era bueno, muy bueno. Su disco debut, Definitely Maybe, es un album extraordinario, sin agregar más o menos.

Rock 'N Roll Star es una grandiosa canción. Y con ella, captamos el mensaje de lo que Oasis es (o era): una banda de rock ruidosa y sin escrúpulos, pero con una música fácil de escuchar y notable. La primera canción es un sueño hecho realidad para los Gallagher, pues en ella cantan sobre ser estrellas del rock and roll, y ciertamente, al salir este album, lograron ese estatus. El ritmo de la música es rápido y sonoro, y se nota bastante el hecho de que no usaron excelentemente sus instrumentos, pero eso se deja para un lado, ya que la suma de las partes fue mayor al todo en su caso.

Shakermaker es una canción menos rápida, pero aún bastante pegajosa. Live Forever es un hijo de Noel del cual aún está bastante orgulloso (demasiado, quizá). La letra es 100% Oasis, es decir, no te importa nada sino la inmortalidad. Es todo un clásico del britpop y una de las mejores canciones del grupo (igual que Rock N' Roll Star).

A pesar de los comentarios ácidos de los hermanos Gallagher a lo largo de su carrera profesional, ninguna de sus controversias han tenido algo que ver con su música o la letra de las canciones. Quizá lo más cerca a una especie de crítica hacia, digamos, los poderosos (y quizá hasta la propia realeza de Gran Bretaña), en una canción, es Up in the Sky, otro buen track del disco.

Cuando Definitely Maybe podría haberse puesto repetitivo, surge la siguiente pista: Columbia. Me agrada bastante esta canción. Es una de las pocas cosas de Oasis que se acerca al rock psicodélico. La letra de por sí es algo bizarra y confusa, y el título... ¿qué tiene que ver con el contenido de la canción? Independiemente de estas excentricidades, Columbia es un pseudoexperimento que funciona perfectamente.

Luego tenemos el primer sencillo del grupo, Supersonic. Es otra de las cuantas canciones de Oasis que no tienen sentido. Es decir... por favor, escuchen la letra. Es Noel Gallagher poniendo palabras que rimen, sea como sea. Pero de nuevo, Oasis no es un grupo que se escucha realmente por el "profundo" contenido de sus letras, sino por el atractivo de la música. Cuando comienza la batería en la canción, el riff de la guitarra, y la actitud con la que canta Liam Gallagher, uno sabe que la canción va a ser buena. Y lo es, ciertamente.

Después de escuchar la más que decente Bring it on Down, nos toca deleitarnos con Cigarettes & Alcohol. En el caso de esta canción, la letra tiene cierta importancia. De hecho, si no existiera, yo diría que a Oasis le faltaría una extremidad, pues habla de lo que seguramente pasaba por las cabezas de muchos adultos adolescentes de la clase obrera en esos años: una apatía por el trabajo y por la vida, y había cierto consuelo en el uso de cigarros y alcohol. El mensaje de la canción no es muy ético que digamos, pero el sólo hecho de decirle a la sociedad qué sucedía con los jóvenes (los de Oasis eran parte de la juventud de esa época) es interesante y notable. Además, por supuesto, la canción es excelente, y personalmente me agrada la manera en la que Liam canta ciertos finales de versos.

Digsy's Dinner es, bueno, un relajo, casi una broma que, por cierto, no suena tampoco mal. Es la canción más pop del album y habla de una cita del cantante con una mujer en la cual le brindará una lasaña que también será comida por unos amigos de la mujer y quedarán todos verdes por ella. Sin nada más que agregar, pasamos a la siguiente y clásica canción: Slide Away. Aquí es cuando podemos decir que Liam Gallagher era un magnífico cantante. Esta pista demuestra que el británico tenía una gran resistencia (que está prácticamente perdida ahora). En cuanto a la canción en sí, es, de nuevo, un éxito. Irónicamente, es la primera canción de amor del grupo (una de las pocas). También es la más larga de Definitely Maybe, pero no aburre, en especial porque Liam no deja de sorprendérnos con su voz (¿respiró alguna vez durante la canción?).

La última canción: Married with Children. Es la única canción con guitarra acústica del record, y es un tanto graciosa, porque en la vida real sucedió que una novia de Noel consideraba que su música era una "mierda" y que no la dejaba dormir, y eso está en la letra.

Luego del éxito que lograron con este primer disco, la banda empezaría a trabajar de inmediato en el LP que se llamaría (What's the Story) Morning Glory?, otra grandiosa obra (y quizá el último excelente album de Oasis) que para algunos supera el debut y para otros no. Sabremos mi opinión al respecto cuando me dedique a analizarlo, por ahora, nos bastará con saber que Definitely Maybe es un hito del rock inglés y de la música de los noventa.

Top Tracks:

• Rock 'N' Roll Star
• Live Forever
• Columbia
• Supersonic
• Cigarettes & Alcohol
• Slide Away
  

Puntaje: 9.3

Track listing

Todas las canciones escritas por Noel Gallagher

1. "Rock 'n' Roll Star" – 5:22
2. "Shakermaker" – 5:07
3. "Live Forever" – 4:37
4. "Up in the Sky" – 4:29
5. "Columbia" – 6:16
6. "Supersonic" – 4:43
7. "Bring It on Down" – 4:19
8. "Cigarettes & Alcohol" – 4:50
9. "Digsy's Dinner" – 2:32
10. "Slide Away" – 6:32
11. "Married with Children" – 3:12
    

Personal:

• Liam Gallagher - vocales principales
• Noel Gallagher - guitarra principal, vocales secundarias, piano
• Paul "Bonehead" Arthurs - guitarra rítmica
  
• Paul McGuigan – bajo
• Tony McCarroll - batería